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Crispian Mills y los suyos parece que poco a poco vuelven a encontrar el camino que lleva hasta las grandes canciones. Pero este camino de vuelta hacía la cima se presenta nuevamente duro después de dos álbumes de debut grandiosos y su posterior proyecto con The Jeevas. Ahora parece que toca comenzar desde el principio con el peso que el pasado deja sobre sus espaldas. Su anterior trabajo, "Strangefolk" (2008), tenía momentos álgidos ("Second sight" o "Great dictador") y alguna paja de relleno; así que casi mejor haberlo dejado en un buen EP de seis canciones. Pero este "Pilgrim's Progress" es harina de otro costal. Y es que aunque parezca mentira, en esto del rock también se tiene que madurar y sobre todo crecer. Y desde el primer instante este disco rezuma cambio. Ya lo dice el tema con el que se inicia el trabajo "Peter Pan R.I.P.". Así que con la crisis de los cuarenta en puertas Crispian se ha espolsado parte de esa rebeldía y actitud para abrazar sonidos igual de vintage que sus predecesores pero con cierta y buena madurez en su composición. Así que con el resto de Kula Shaker y con los propios Crispian y Alonza Bevan - bajista - a la producción se han marcado un discazo con poco material sobrante. Tan poco material sobrante que se ha publicado también en una edición de lujo con un disco extra con diverso material inédito así como otra versión con su correspondiente vinilo, camiseta y un diseño y arte interior increíble.

Secciones de cuerda, flautas, tiempos medios y por su puesto también muchos pildorazos que recuerdan a la primera psicodelia, pero actualizada al siglo XXI. Lástima que hayamos tenido a Crispian Mills durante tantos años alejado de la inspiración. Ahora se ha reencontrado con ella en temas como "Ophelia", "All dressed up", "Modern blues" o "Ruby". Y que sea por muchos años. Aunque Peter Pan haya pasado a mejor vida, aquí le estaremos esperando. Os dejo su vídeo oficial del tema "Peter Pan RIP" y un maravilloso vídeo de animación con su canción "Only love". También un cutre-vídeo de la canción "Ophelia" y un enlace con su web donde podéis descargaros material de ellos completamente gratis.

Un saludo y feliz escucha.



Kula Shaker – “Peter Pan RIP”.



Kula Shaker – “Only love”.



Kula Shaker – “Ophelia”.

Hay que ver cómo nos pasan desapercibidas algunas bandas con grandes dosis de calidad mientras que la industria nos despista con toda una retahíla de material de alto – fácil – consumo. Exactamente igual que en política. Parece que nos quieren tener embelesados con temas triviales mientras las grandes confabulaciones se llevan a cabo sólo para unos poco oídos privilegiados.

Este es el caso de The Boxer Rebellion, banda londinense que acaba de presentar su tercer trabajo de estudio sin hacer apenas ruido en la escena musical y que tal y como apunta este nuevo disco, tienen grandes aptitudes para hacerse un hueco entre las emergentes bandas de rock británicas. Producidos esta vez por uno de los grandes, Ethan Johns (Ray LaMontage, Rufus Wainwright, Ryan Adams, Kings of Leon, Brendan Benson…), han facturado un disco grande, en cuanto a su calidad y en cuanto a su accesibilidad. Una banda que podría encerrarse en el mismo saco que otros contemporáneos suyos como Elbow o Doves y que probablemente tengan el sino de sacar discos regularmente pero sin destacar excesivamente entre la vorágine de artistas que inundan los semanarios musicales sajones.

De momento nos quedaremos disfrutando este "The cold still" que publicaron el pasado mes de febrero bajo el sello Absentee Recordings y en el que, sin descubrir la pólvora, recogen un puñado de muy buenas canciones.

Para demostraros que esta banda tiene algo bueno que ofrecer os dejo los vídeos de sus temas "Step out of the car", "Both sides are even" en directo y "Caught by the Light" así como un enlace con Spotify para que podáis escuchar en su totalidad este trabajo de los británicos, así como sus anteriores trabajos "Exits" (2005) y "Union" (2009). Además en su myspace podéis descargaros un par de canciones pertenecientes a este disco completamente gratis. En concreto el tema que abre el disco, "No harm", y su single de adelanto "Step out of the car" en una toma en directo.

Un saludo y feliz escucha.



The Boxer Rebellion – “Step out of the car”.



The Boxer Rebellion – “Both sides are even” (live).



The Boxer Rebellion – “Caught by the light”.

Uno llega y hace un disco como lo sabe hacer. Con la música de toda la vida, con la que se ha criado y educado en una familia numerosa que ha recorrido medio mundo. A eso le añadimos que uno nace en Pakistán aunque acaba recalando en Londres, y ya la tenemos liada. Pero a todo se le puede poner guinda. Lo dicho: uno llega y hace un disco como lo sabe hacer, con la música que ha escuchado toda la vida. Y entonces te llama nada más y nada menos que Burt Bacharach y tú te plantas en su casa y, para enseñarle tu arte, cantas una canción compuesta por el propio Burt. Con dos narices. Y todo ello desde la humildad de una educación nómada en la que los protagonistas eran las películas musicales clásicas y una guitarra con la que compones un album como la copa de un pino.
Pues todo eso ha hecho esta chica, Sarah Joyce, de nombre artístico Rumer, con su trabajo de debut "Seasons of my Soul". Un disco de otra época pero actual. Un disco inocente pero complejo. Un trabajo que emociona desde ese primer tema "Am I Forgiven?" hasta el último.
Carpenters, Dusty Springfield... ¿pero dónde estaba esta chica en los ochenta...? Pues en Islamabad, sin televisión y con una guitarra....


Am I Forgiven




Aretha




Que lo disfruteis...

Ya hablamos de ellos aquí en el blog con su espectacular trabajo anterior. Ese "Oh my God, Charlie Darwin" era un extraordinario trabajo de principio a fin.
Y en este 2011 han publicado "Smart Flesh". Y un servidor ha cogido este disco con el entusiasmo del buen sabor de boca dejado por aquel. Y este servidor se ha defraudado.
Sí es cierto que el disco tiene temas muy buenos como "Boeing 737" y que comienza prometiendo ser una digna continuación del "Oh my God..." pero esa sensación se desvanece enseguida. El disco se va quedando sin fuelle según avanzan los temas aunque deja una buena sensación final con una pequeña remontada en los dos últimos temas.
Pero estoy hablando de gustos. Los discos gustan o no. Y a mi este disco me he dejado un poco frío. Sin embargo quiero romper una lanza por ellos. Se han esforzado en conseguir un sonido "auténtico" hasta el punto de grabarlo "al natural" en una vieja fábrica abandonada, intentando lograr una sensación de amplitud, grabando los temas directamente a un micro colocado a algunos metros. Han restaurado y recuperado instrumentos caídos en desuso. Y esa intención artística y casi manual es de agradecer en los tiempos que corren.
Pero el resultado no llega a ser convincente al cien por cien y se queda en la mitad de camino, entre algo sublime y algo infumable.
El disco tiene sus matices, sus grandes momentos que alterna con sinsentidos; pero sólo logra una nota media, aunque también deja una sensación de que nos perdemos algo, por eso seguiré escuchándolo un tiempo más...


Ghost Woman Blues (grabado en la fábrica que os comentaba...)




Boeing 737




Que lo disfruteis...

Aviso. Aviso antes de que sigais leyendo. De la guapa chica que os traigo hoy la revista Rolling Stone ha dicho cosas como "lírica desesperada... hiperromántica... de una chica que lee a Shakespeare". Sólo tiene un disco, del 2009, llamado "Plainsong" y sus canciones han salido en series de televisión como Bones. Avisados estais...
Si aún así habeis seguido leyendo hasta aquí es el momento de deciros que esta británica dió el pelotazo con su tema llamado "Bring on the Wonder", que fue el que salió en el capítulo de la segunda temporada de Bones, allá por el 2006. Ese día a esta británica le sonrío la diosa de la fortuna.
Hizo multitud de grabaciones de versiones de esta canción hasta que por fin, vió la luz el disco que ella misma se autoprodujo. Por supuesto, incluye la cancioncilla de marras.
"Plainsong" son temas al estilo de Tori Amos o Fiona Apple. Folk pop de cantautora, con voz dulce y letras románticas. Estilo sencillo, sin grandes arreglos, de producción simple, composiciones cristalinas y mucha, mucha sensibilidad. Mucha belleza sentimental en canciones melancólicas que nos hablan de amores y desamores. Canciones ideales para anuncios y finales de temporada en la que los personajes se alejan de la cámara caminando cabizbajos hacia el atardecer...
El caso es que si te pones el disco varias veces uno se pone hasta bizcochón... pero ¿quién no necesita romanticismo en estos tiempos...? ¿se liarán de una vez Brennan y Booth...? Venga, huesos, que lo tienes a huevo...


Bring on the Wonder





Moonllight




Que lo disfruteis...


La cabeza pensante de los Artic Monkeys ha grabado y publicado un EP de seis canciones con la música incidental del film "Submarine", película dirigida por Richard Ayoade, quien ya participase con su banda en la grabación de vídeos como "The crying Light" o "Fluorescent", y que según la crítica y el recibimiento en festivales como Sundance o Berlín, ha facturado una de las mejores comedias que se han realizado en muchos años en el Reino Unido. La cinta "cuenta la historia de Oliver Tate, un adolescente de quince años con dos grandes ambiciones: salvar el matrimonio de sus padres a través de un plan trazado al milímetro; y perder la virginidad antes de su inminente cumpleaños". La película es una adaptación del libro de mismo título de Joe Dunthorne.

Este trabajo del mono ártico está más cercano a su efímera colaboración con Miles Kane, The Last Shadow Puppets, que al trabajo de los de Sheffield. Además cuenta en sus créditos nuevamente con James Ford, lo que hace que canciones como "Hiding tonight" o "Glass in the park" estén más cerca de formar parte de "The Age of the Understatement" que de "Favourite worst nightmare". Junto a los temas compuestos e interpretados por Alex también se puede escuchar en el film música compuesta por Andrew Hewitt. Por cierto que el film todavía no ha sido estrenado en España así que tendremos que esperar un tiempo para poder verlo en condiciones.

En fin, un disco escueto y agradable de escuchar que hace cada vez más grande e interesante la carrera de este joven músico. Os dejo con unos vídeos caseros de sus temas "Glass in the park", "Piledriver waltz" y "Stuck on the puzle".

Un saludo y feliz escucha.



Alex Turner – “Glass in the park”.



Alex Turner – “Piledriver waltz”.



Alex Turner – “Stuck on the puzzle”.

Las influencias son claras. La música de los años 40 y 50 y el jazz. No es que hagan nada nuevo, pero la voz de la cantante Shirli McAllen (¡¡casi!!) es tan agradable, que no necesitan hacer algo distinto.
Leftover Cuties sólo tienen un EP publicado, pero en mayo sale su primer disco que va a llevar por título "Places to Go".
Como no tengo más datos de ellos os subo estos vídeos para que opineis...

Game Called Life




You Are my Sunshine




Que lo disfruteis...

Venga... teneis que reconocerlo... me estoy quitando de ese vicio de la música sueca y sólo sueca... pero esto es para dejarlo poco a poco... así que hoy traigo a unos suecos que grabaron su primer disco largo (anteriormente grabaron 3 Ep´s) en Los Angeles, en el 2008, titulado "Spark Large". En el 2010, volvieron a su tierra natal para grabar su segundo trabajo "Pop Cycle" en el que continúan en la línea iniciada en el anterior.
Y la verdad es que es bueno escuchar los dos discos. El pop de este dúo es fresco, amable, pero al mismo tiempo experimental y con cierta complejidad. Arreglos y voces bien cuidados, todo muy correcto con un punto adolescente de frescura o ingenuidad. Algo oscuro, algo limpio, algo cristalino pero con cierta trascendencia. Pop sueco. Es que tenía ganas...


Another Day (de Pop Cycle)




For Your Love (de Spark Large)




Que lo disfruteis...


Es como un déjà vu...
El caso es que estos neoyorkinos me recuerdan mucho, mucho, a mis amados Diesel Park West... pero aún no sé deciros la razón... quizá sea por la personalísima voz de Hamilton Leithauser, el cantante, que a veces... pero se les compara con The National o con The Last Shadow Puppets. Sí... puede ser, también...
El caso es que su sexto disco salió a la luz el año pasado con el título de "Lisbon", y a mí me tiene enganchado. Ya me gustaron mucho con su anterior trabajo, del 2008, titulado "You&Me", un trabajo totalmente recomendable.
Pero es en este último trabajo donde, en mi opinión, llegan a la madurez artística. Un disco mucho más limpio que todos sus trabajos anteriores, con una producción mucho más elaborada, más cuidada, donde atemperan la energía de sus otros discos, pero sin perder fuerza. De esos trabajos que la primera vez que los escuchas no sabes si te va a gustar o no. Y luego...
En definitiva, once temas que no cansan, que van a más en cada escucha. En mi opinión, un discazo del año pasado que no podemos pasar por alto y que se reivindica por sí mismo.


Juveniles




Angela Surf City




Que lo disfruteis...


Tengo que reconocer que los discos de PJ Harvey me cuesta desentrañarlos. Tienen una asonancia engañosa e inverosímil y siempre quedo asombrado ante sus primeras escuchas. Pero cuando te conquista y consigue meterte el veneno por vía intravenosa reconozco que tengo que recular y aprobar en que Polly Jean ha vuelto a grabar otro sensacional álbum. Así me trata disco tras disco esta británica. En "Let England Shake" saca recursos de donde sería imposible para el resto de los mortales. Nos podemos rebozar con un sonido de lo más espontáneo a simple vista y que oculta intensidad en todas las placas tectónicas que soportan el enorme muro sonoro que genera en el estudio. Hasta el silencio se hace denso con ella sobre las tablas.

Así que aquí estamos, frente a frente ante su octavo disco de estudio, grabado en una iglesia de Dorset y con su inseparable John Parish de nuevo en la producción, esta vez compartiendo trabajo junto a Flood. Así que si a este plantel le sumamos el enorme trabajo que también ha aportado Mick Harvey (Bad Seeds, Birthday Party…) pues nos podemos hacer una idea de que no estamos ante un disco fácil fácil de digerir pero con un enorme talento macerado en su interior. Pero en este blog somos pacientes. Nos gustan los platos a fuego lento con enormes satisfacciones de sobremesa. Así que os propongo que escuchéis el disco en su totalidad al menos un par de veces. Seguro que si alguna vez PJ Harvey os a atraído en algo – su música, claro está – esta vez caeréis rendidos a sus pies. Ella siempre mira hacia adelante, hacia el futuro. En cada trabajo saca un nuevo Yo perdurando siempre su esencia inconformista y revitalista. Y aquí tenéis uno de sus máximos ejemplos. Seguro que no puedes resistirte a canciones como "The glorious land", "England", "On battleship hill", "The words that maketh murder"… aunque en realidad el disco hay que concebirlo como un todo puesto que extraer algún tema del mismo significa dejar coja una mesa perfectamente nivelada. Hasta su despedida es memorable con ese himno titulado "The colour of the earth", emplazándonos hasta su próximo disco que seguro que tendremos presente.

Os dejo unos cuantos vídeos de la serie de cortos que ha realizado el director Seamus Murphy para este nuevo gran disco de la Harvey: "Let England Shake", The glorious land" y "The last living rose". Sí, Polly Jean seguirá siendo la más rara de su clase y a la vez la que más arriesga. Pero tiene la bendita suerte – o talento – de que siempre le sale bien.

Un saludo y feliz escucha.



PJ Harvey – “Let England Shake”.



PJ Harvey – “The glorious land”.



PJ Harvey – “The last living rose”.


Muchos conoceréis a James Walsh por su trabajo como vocalista y guitarra al frente de Starsailor. También seréis conocedores de que el próximo sábado 09 de abril estará actuando en solitario como uno de los cabezas de cartel del Festival Vinalopop que se celebra en Elche y que tendrá entre otros sobre el escenario a The Charlatans, Neil Hannon (The Divine Comedy), The Wave Pictures, Supersubmarina o Vinila Von Bismark. Pero lo que quizás mucho de vosotros no sabéis es que el pasado mes de octubre James publicó lo que se puede denominar su primer trabajo en solitario. Una colección de cinco temas relajados e íntimos, recogidos en Noruega junto a la Tromsø Chamber Orchestra, entre los que se encuentra un buen puñado de canciones como "Soul on trial", "Man on the hill", "Loaded gun", "Life" o una revisión del tema "Silence is easy" perteneciente a su banda de siempre. Un adelanto que marca el futuro inmediato del artista, muy influenciado en la actualidad por músicos que utilizan las orquestas como base de su música – según palabras del propio James - pero que en este disco parecen estar en un segundo plano. Da incluso la sensación de que las pistas de la sección de cuerda están sobrepuestas posteriormente a la grabación de guitarra y voz.

En su web podéis descargar gratuitamente su tema "Man on the hill" ya que esta primera edición de su EP de presentación, en formato físico, se encuentra agotada actualmente. Lo que sí podéis es descargar la totalidad de sus canciones en su tienda virtual. También en su myspace podéis encontrar material que todavía no ha visto la luz en formato disco, con nuevos temas ("This time" o "It's a long way to love") y versiones en directo de temas como "Tell me it's not over" de su último disco con Starsailor, el desventurado "All the plans" (2009).

Os dejo con un par de vídeos caseros con sus temas "Man on the hill" y "Soul on trial". Hasta dentro de poco James…

Un saludo y feliz escucha.



James Walsh – “Man on the hill”.



James Walsh – “Soul on trial”.

Lituania es un pais especial. De ahí viene Alina Orlova, una guapísima cantante de tan solo 22 añitos que igual compone en lituano, que canta en inglés o hace todo ello en ruso.
Su único disco oficial hasta la fecha es "Laukinis Suo Dingo", del año 2008, cuyo título está sacado de un cuento infantil. Os dejo el enlace a Spotify para que lo escucheis...
En este disco hay 16 canciones que van desde el folk al pop minimalista, incluso al soul de la canción breve, de las letras llenas de poesía, saltando alegremente de uno a otro género sin cuidar mucho las apariencias, como los niños cuando juegan, que no se preocupan de nada más. Porque eso parece el disco a primera vista, un juego. Pero cuando se profundiza en él, se descubre cierto clasicismo, algo sombrío, letras melancólicas que nos dicen que estamos a años luz de algo festivo o frívolo. Pero en cualquier caso ante un trabajo tan espectacular que no podemos dejar de escucharlo. Poesía, folk, piano, voz personalísima, pop y mucho, mucho talento báltico...


Lovesong




Vasaris




Vaiduokliai




Que lo disfruteis...


Otro álbum que os acercamos con un poco de retraso. Aunque sea de 2008 Polarkreis 18 están de actualidad ya que hace poquitos meses publicaron su cuarto trabajo oficial, "Frei", si no contamos el disco "Teaser" firmado bajo el alias de Jack of All Trades allá por el 2002. El caso es que conocí a esta banda en uno de los discos que compré en un viaje a Berlín en las navidades del 2009. Exactamente la canción "River loves the Ocean" aparecía en una versión instrumental realizada por el cuarteto también alemán Fauré Quartett junto a revisiones de temas de Prefab Sprout, The Divine Comedy, Ben Folds Five, Ryan Adams, Elliott Smith… Y la versión instrumental de este tema me enganchó desde la primera escucha y me hizo descubrir a una banda cuyo nombre lleva detrás una historia algo sórdida. Y es que Polarkreis 18Círculo Polar 18 – está referido a que el padre del cantante Felix Räuber formó parte de una expedición al círculo polar ártico en tiempos de la RDA. La deficiente equipación de los expedicionarios hizo que regresase con dos dedos del pie congelados, quedándole en su cuerpo sólo 18 dedos (sic).

Historia aparte os recomiendo fervientemente la escucha de este disco que alterna temas con una sensibilidad infrecuente con estructuras y orquestación sinfónica ("River loves the Ocean", "Happy go lucky", "Untitled picture"…) todo ello arreglado y dirigido por Sven Halbig (Rammstein), con temas algo más frívolos que bien podrían ir destinados a la pista de baile ("Rainhouse", "Allein Allein", "The colour of snow"…). Sorprende el pensar que este sexteto en sus inicios hiciese música muy cercana al metal para ahora acabar de esta guisa.

Si queréis escuchar el disco en su totalidad aquí tenéis su correspondiente enlace a Spotify como viene siendo habitual. También os dejo el corte original "River loves the ocean" y dos tomas en directo de sus temas "Happy go luck" y "Name on my ID".

Un saludo y feliz escucha.



Polarkreis 18 – “River loves the ocean”.



Polarkreis 18 – “Happy go lucky”. (Live)



Polarkreis 18 – “Name on my ID” (Live).


Se ha hecho de rogar el quinto trabajo de los canadienses The Dears, aunque cierto es que nunca han estado muy alejados de su público. Han continuado rodando de giras, preparando nuevo trabajo, publicado material inédito y en directo vía iTunes… pero su anterior trabajo - "Missiles" (2008) - fue ninguneado por crítica y público aunque tuviese entre sus temas joyas tan soberbias como "Lights off", su "Paranoid Android" particular al más puro estilo The Dears. En este nuevo trabajo que se acaba de publicar podemos encontrar catorce canciones entre las que se encuentra el adelanto que el pasado 2010 publicaron como single de presentación "Omega dog", quizás un tema que juega al despiste ya que no representa al disco que abre en absoluto. Aunque también hay que decir que este nuevo disco de la banda de Murray Lightburn es mucho más luminoso y abierto que sus predecesores gracias al trabajo de Tony Hoffer, encargado de la producción y también en la mesa de mezclas.

Aunque el sonido de los canadienses haya ganado en luz y perdido en sombras lo que sigue más o menos igual "Degeneration Street" es el tremendo sonido que tiene esta banda y la versatilidad en la voz de Murray Lightburn que lo mismo puede parecer un Lenny Kravitz rendido ante el pop ("Omega dog"), que un sofisticado Damon Albarn ("Unsung", "Lamentation"), que un Jarvis Cocker cantando uno de sus himnos de clases ("Thrones").

Os dejo con un enlace a Spotify donde podréis disfrutar del álbum en su totalidad y una actuación en directo con el tema "Blood" desde el show de David Letterman y un par de cutre-vídeos con las canciones "Thrones" y "Galactic tides".

Un saludo y feliz escucha.



The Dears – “Blood”.



The Dears – “Galactic tides”.



The Dears – “Thrones”.


Pedazo de álbum que acaba de marcarse John Vanderslice junto a The Magik* Magik Orchestra para este 2011. En esta ocasión John abraza el sonido sinfónico de una orquesta para darnos a conocer unos temas que junto a toda esta sección de cuerdas, vientos, metales y percusiones tienen una nueva dimensión en la obra del norteamericano. Uno de esos discos que ganan enteros con cada nueva escucha, como una gran bola de nieve que aumenta de volumen conforme avanza implacable. Un disco de esos que hay que tener por que el tiempo pondrá seguro en su lugar.

Un trabajo de conjunto tanto de John como de Minna Choi - directora artística de este proyecto y arreglista de los temas que lo conforman - y la totalidad de músicos que han participado en el proyecto, que han querido que ninguno de los sonidos que mixturan este álbum sobresalga por encima de los demás, dándose la mano extraordinariamente la música pop con la clásica. Esto se hace especialmente evidente en canciones como "20k", "The piano lesson" o "White wilderness", dejando también rastro en algunas canciones del sonido más convencional de Vanderslice como pueden ser "After it ends", "English vines" o "Alemany gap".

En su página web podéis encontrar más información de este trabajo e incluso descargaros gratuitamente gran cantidad de trabajos, EP's y canciones pertenecientes a la ya dilatada carrera de John. Está visto que hay artistas que saben que lo más importante es dar a conocer su obra y que el público acuda a sus conciertos que es como un músico o artista se puede ganar la vida dignamente dejando claro que con la venta de discos sólo pueden sobrevivir vacas sagradas que todos conocemos. Naturalmente también publican todo este material con formatos atractivos para sus seguidores que, no nos engañemos son muchos, pero si las descargas "ilegales" existen porque no hacerlo fácil y buscar nuevas vías para que la gente que ama la música compre las obras de sus artistas favoritos.

Como aperitivo os dejo un enlace a su web donde podéis descargar sin miedo alguno su EP de seis canciones titulado "Green grow the rushes" o el disco "Suddenly it all when dark". También os dejo un par de vídeos de este nuevo y flamante trabajo, "White wilderness": "The piano lesson" y el que da título a su disco "White wilderness". Y de regalo una actuación en directo, también junto a The Magik* Magik Orchestra, interpretando "Promising actress" de su álbum de 2004 "Cellar door".

Un saludo y feliz escucha.



John Vanderslice – “The piano lesson”.



John Vanderslice – “White wilderness”.



John Vanderslice - “Promising actress”.


De nuevo os acerco aquí el nuevo material sonoro del proyecto unipersonal de Nacho N. C., denominado Bosques de mi Mente. Ya nos hicimos eco en este Blog de los trabajos que había publicado anteriormente este cartagenero afincado en Madrid, como "Inocencia", "Trenes de juguete", "Lo-Fi", "Nueve días de invierno" o "Ruido blanco", algunos de los cuales tengo en formato físico gracias a la amabilidad de Nacho. Estos trabajos, al igual que este nuevo "Otoño" están publicados bajo licencia Creative Commons, por lo que su descarga, disfrute y difusión es completamente gratuita, algo que en los tiempos que corren pude parecer un suicidio artístico pero que, por lo visto, otros creadores lo ven con los únicos ojos de dar a conocer una obra, que en principio, junto a la creación, es el fin que justifica el universo de cualquier artista. Crear, enseñar, y a otra cosa mariposa; si ello da para comer y vivir holgadamente, pues miel sobre hojuelas.

Este nuevo trabajo de Bosques de mi Mente consta de un doble disco, con un total de 27 cortes, que según el propio autor explica, es un disco de improvisación grabado directamente en su primera toma. Sin post-producción, sin arreglos posteriores y sin engaños. Composiciones naturales y sin aditivos que dejan la mente vagar mientras que puedes realizar otra actividad, como la de estar tumbado una noche en la tranquilidad y seguridad que da el calor del hogar. Podréis encontrar temas centrados prácticamente en su totalidad en el piano con pocos elementos adicionales. Algún sámpler, ecos, algún teclado y algunas voces (más bien recitados), pero poco más. En contraposición con lo que el artista vaticina que será su nuevo trabajo, el séptimo si no me fallan las cuentas, en el cual está trabajando actualmente: "Va a marcar un cambio de dirección en la música de Bosques de mi Mente (al menos temporalmente). No vais a encontrar piano en éste álbum, sino un sonido más indietrónico, jugando con instrumentos de juguete, antiguos teclados de juguete, máquinas de ritmo estropeadas, voces y experimentación. Probablemente, el disco se llamará "Colores".

El disco en cuestión y muchos otros, tanto de Bosques de mi Mente como de otros artistas de su catálogo (#Fo, Arin Dodó, Cherry, J.G. Entonado…), podéis descargarlo directamente en la web de CRLM Netlabel, con todo su diseño gráfico y un excelente libreto a color que obviamente tendréis que imprimir y curraros vosotros mismos. Que más queréis…

Os dejo un pequeño ejemplo de por donde andan los tiros del nuevo trabajo de Bosques de mi Mente. Los temas en cuestión son "Nos gritamos para no tener que escucharnos", "Ahora son sólo fantasmas" y "El vals de las marionetas rotas".

Un saludo y feliz escucha gratuita.



Bosques de mi Mente – “Nos gritamos para no tener que escucharnos”.



Bosques de mi Mente – “Ahora son sólo fantasmas”.



Bosques de mi Mente – “El vals de las marionetas rotas”.



El pasado año 2010 se publicó, con motivo del 25 Aniversario, una edición especial del disco "A secret wish" (ZTT ,1985), debut de los alemanes Propaganda. Fue un disco que recuerdo perfectamente su salida al mercado; me gustó enormemente y todavía tengo aquella copia en vinilo que ahora desgraciadamente escucho bastante poco. Pero creo sinceramente que este trabajo es toda una obra de ingeniería sonora. He podido disfrutar nuevamente de este disco con la versión expandida en doble compacto. Ahora creo que muchos de aquellas bandas de synth-pop o tecno, como se hacía llamar este tipo de música, han sido maltratadas con el paso del tiempo. Pocos son los ejemplos de artistas de este género que hayan sobrevivido hasta nuestros días. Exceptuando a Depeche Mode, los intermitentes y visionarios Kraftwerk, The Human League o los mismísimos New Order, pocos han podido continuar una carrera musical, al estilo mainstream tal y como conocemos actualmente el negocio.

Pero pasando a este debut de Propaganda, todavía me parece un disco que abría en canal la carrera de una banda llena de posibilidades que solo se quedó en eso. Justo ese mismo año también vio la luz su "Wishful Thinking", un disco que incluía remixes y versiones distintas de temas pertenecientes a "A secret wish" y a partir de ahí poco más. En 1990 intentaron volver al ruedo con "1234" incluso con el auspicio de Martin L. Gore (Depeche Mode) pero el disco fue un intento baldío de remover los cimientos de una banda que ya había perdido el tren creativo y el pertinente interés por la rueda de molino musical.

Así que nos quedaremos con este gran disco para el recuerdo. Tenía canciones que eran singles inmediatos como "Duel", "P. Machinery", "The murder of love" o "Dr. Mabuse" (menudo verano aquel del 1985), pero lo que más me gustaba de esta banda era cuando sacaban de la manga preciosas joyas de automatismo sonoro muy cercanas al ambient de Brian Eno y a estilos industriales más complejos. La elegida para abrir este disco en su cara A era "Dream within a dream", toda una declaración de intenciones. Un tema de ocho minutos que iba creciendo por momentos sobre un recitado de la vocalista principal Claudia Brücken. También "Sorry for laughing", un tema sumido en la oscuridad y en el enorme muro sonoro que tiene de fondo, pero que la voz de Claudia y Susanne Freytag intenta socorrer para llevarla por caminos más pop. Pero las que me tenían más enganchado por aquella época eran los temas que cerraban el disco en su cara B. "The chase" y "Strenght to dream". Y es que siempre he tenido debilidad por los discos que se cierran con grandes canciones. Si un artista se permite dejar para el final temas de este calibre es que hay mucha tela en sus predecesores. Ahora es todo un lujo escuchar este material con unos auriculares de calidad a un volumen brutal. Y además todo el material extra que incluye esta nueva re-edición con un segundo disco lleno de temas inéditos, demos, remezclas, versiones de hasta veinte minutos, etc…

Quizás la industria se haya dejado por el camino a un gran compositor como Michael Mertens. Claudia Brücken ha publicado algún álbum al frente de bandas como Onetwo o Act, colaboraciones con otros artistas (Andy Bell, Spirit Feel…) incluso trabajos en solitario pero sin apenas repercusión. Pero ¿cuántos han caído por no seguir las pautas o no estar en el momento indicado en el lugar conveniente?

Os dejo un par de vídeos de aquellos maravillosos años, con dos singles que entraron como dos rayos en las listas de éxitos: "P. Machinery" y "Duel". Pero la pregunta del millón sería: ¿cómo podrían sonar Propaganda en pleno siglo XXI?. Pues muy bien, subid el volumen y poned a pantalla completa el tema "Dr. Mabuse" en directo desde el Wembley Arena de Londres en una breve aparición que tuvo lugar en 2004. Algo realmente espectacular. Lástima que hayan caído nada más nacer.

Un saludo y feliz escucha.



Propaganda – “P. Machinery”.



Propaganda – “Duel”.



Propaganda – “Dr. Mabuse” (live 2004)


En los digitales tiempos que corren descubrir un álbum después de año y medio desde su publicación puede parecer estar completamente fuera de onda. Pero más vale tarde que nunca. Este es el caso de los británicos Mumford & Sons, un cuarteto folkie de Londres que por lo que parece ya está preparando su segundo larga duración para este nuevo año. Pero lo que en principio me llamó la atención de esta banda es la cantidad de veces que he oído hablar de ellos sin escuchar ni uno solo de sus temas. Primero fue por la colaboración que hicieran el pasado año con Ray Davies (The Kinks) en su disco de regreso a la actividad discográfica "See my friends". En este trabajo dejaron para la posteridad una curiosa adaptación-mezcla de los temas "Days / This time tomorrow". Después su ingreso en el selecto club (¿...?) de grupos invitados al Festival Internacional de Benicassim 2010. Y más tarde – hace tan sólo un par de semanas – llegó el turno del mismísimo Bob Dylan que decidió aparecer con ellos en la entrega de los premios Grammy para interpretar el "Maggie's farm". Así que en tan sólo un par de añitos estos chicos se han codeado con la flor y nata de la escena musical y todo esto con un único trabajo publicado: "Sigh no more".

El disco está lleno de folk pero visto desde un prisma muy poco purista. Utilizan instrumentos tradicionales en este género (banjo, acordeón, dobro, contrabajo…) pero el sonido final les queda de lo más siglo XXI. Digamos que es un estilo de folk contemporáneo para gente que "odia" el folk o que simplemente que no entra dentro de su paleta de gustos.

Por lo demás el disco es bastante accesible, con canciones que podrían incluirse dentro del pop a secas o del tan moda sonido americana o, para no complicar la cosa, rock simple y llano. Tienen un buen puñado de canciones para singles inmediatos y espontáneos. "The cave", "Little lion man" o "Winter winds" podrían estar en las listas de éxitos de cualquier canal audiovisual. Puede gustar por igual a los puristas que a los recién llegados. Y eso también es algo de agradecer. También podemos encontrar dentro de este trabajo temas más elaborados y profundos, como mis preferidas, el tándem "White blank page" / "I gave you all", la sensibilidad acústica en "After the storm" o perfectos juegos vocales en canciones como "Timshel".

Os dejo los tres vídeos oficiales pertenecientes a este trabajo de presentación de 2009. "The cave", "Winter winds" y "Little lion man". También os dejo un enlace con Spotify para que podáis descubrir este álbum vosotros mismos, además de un grandioso tema extra, "Hold on to what you believe" y un concierto en el célebre Shepherd's Bush Empire londinense. Los que queráis verlos en acción este verano repiten en el festival de Benicassim (esta vez como cabezas de cartel), aunque no es donde mejor se puede apreciar a un grupo de estas características desde luego. Ah, por cierto, en nuestro país tienen una gran corte de seguidores; lo podéis descubrir en este blog. Yo, como ya os he dicho antes, me he retrasado un par de años para conocerlos pero espero no llegar demasiado tarde.

Un saludo y feliz escucha.



Mumford & Sons – “The cave”.



Mumford & Sons – “Winter winds”.



Mumford & Sons – “Little lion man”.


Hay que ver lo bien que está desplegando su talento esta banda. Desde su tremendo debut en 2003 con el fantástico "The Decline of Britain Sea Power", no han parado de regalarnos los oídos de manera regular cada par de años estos británicos. Siempre bajo el regazo de Rough Trade y con su centro de operaciones en Brighton, acaban de publicar este "Valhalla Dancehall" con trece canciones llenas de tensión que intenta continuamente salir a flote como ellos solos saben hacer y con la ayuda inestimable de Grahan Sutton (The Veils, Mansun, Jarvis Cocker…) bajo la producción. Me encanta el carácter y la personalidad que tiene esta banda a la hora de aporrear sus instrumentos. Tienen una manera de hacer rock que envejece como pocos. Hacen discos extemporáneos. Igual da que escuches ahora su disco de presentación que "Open Season" (2005), que el bravucón "Do you like rock music" (2008) o la música que hicieron para el documental de 1934 "Man of Aran" (2009). Sus canciones no pasan de moda y siguen siendo igual de irresistibles. Y este disco también tiene canciones embriagadoras. Desde las en principio frívolas "Observe the skies", "Georgie Ray" o "Living is so easy" hasta la contundencia de "We are sound", "Who's in control" o "Mongk II", este disco es un tratado rock de siglo XXI en toda regla. Redondo, redondo.

Os dejo con este mensaje tan natural como "Living is so easy", uno de los temas más accesibles del disco y un nuevo enfoque en directo del tema "Who's in control", corte que abre el disco. Os recomiendo que hagáis vosotros mismos la comparación entre el tema original y esta revisión en directo. Desde luego que son sorprendentes estos British Sea Power.

Un saludo y feliz escucha.



BSP – “Living is so easy”.



BSP – “Who’s in control”.

Calidad. Calidad. Calidad. Grupazo total.

Qué sorpresa que una banda absolutamente desconocida caiga en tus manos. Qué satisfacción escuchar los temas una y otra vez y que cada vez te guste más. Qué alegría cuando te sorprendes a tí mismo tarareando las canciones, impostando la voz para parecerte más al cantante. Qué bueno es para nuestra música que este grupo sea español y hagan algo de tantísima calidad.

El grupo se llama Musselman y sus componentes son Manuel Flecha y Javier Puente, (aunque en sus conciertos les acompañan dos miembros más); músicos como la copa de un pino, curtidos ya en varios proyectos y muchísimos conciertos.

El disco se realizó de forma totalmente casera en poco más de un año y en él vamos a encontrar once temas con influencias folk, música de los setenta, algo de psicodelia, percusión, coros y una voz personalísima. Pero sobre todo uno de los mejores trabajos nacionales de los últimos años.

Calidad en estado puro que nos viene de Alcalá de Henares y nos presenta este trabajo imprescindible.

Narrow Path

One For You

Cold Breeze

Que lo disfruteis

Hacer buenas canciones, hacerte un poco famosa y que tus temas salgan en series como Smalville o Anatomía de Grey no es fácil. Pero hacerlo todo desde la autoproducción debe ser aún más complicado.
Amy Stroup no hace nada nuevo. Sólo puñados de buenas canciones de pop dulce, con poca instrumentación que alterna dosis de alegría con otras de melancolía. Letras sencillas y una voz clara y suave.
Para más información os remito a su web, que ella misma lo explica todo y podreis conocer todo lo publicado por esta chica.
Rozando lo comercial, se mueve bien en ese aire de cantautora independiente. Una oportunidad para la señorita Amy...


Quiet Hearts




Here I Am




Que lo disfruteis...


Sólo puedo tener palabras de agradecimiento a M. Luisa Mas, esta amiga-lectora-periodista que desde siempre ha dado su apoyo al pequeño trabajo que realizamos desde este humilde blog. Y no, te reitero que no queremos ser primeras plumas de esto de la crítica musical. Lo único que pretendemos es darnos a conocer música, artistas y discos que nos gustan y nos emocionan, sólo dentro de un pequeño circulo de amigos que, por qué no decirlo, no les gusta ser etiquetados en cuanto a gustos musicales y que se rebelan, a su peculiar manera, a las modas que nos intentan imponer los medios – escritos, visuales, sonoros – siempre con un ojo puesto en la música como arte y con el otro en la música como caja registradora.

Pues bien, fue MLM quién me ha dado a conocer recientemente a Dengue Fever, una banda californiana con cantante camboyana, Chhom Nimol, que mezclan a la perfección un rock de reminiscencias tixotrópicas, con el ramkbach, música tradicional camboyana. La mezcla, como podéis imaginar, llamó la atención de Peter Gabriel y de su sello Real World Records, así que no dudó en fichar a esta sorprendente banda para publicar en 2008 “Venus on earth” un disco que sorprende por el amasijo de sonidos que en él se funden. Imposible permanecer impasible a temas como “Sober driver”, el instrumental “Oceans of Venus” o el hipnótico “Tiger phone card”.

Utilizando las propias palabras de MLuisa Mas: “Pequeños relatos de una historia hecha a base de mezcla de dos culturas, a primera vista irreconciliables, a través de un largo viaje del que aún quedan, esperemos, capítulos por contar. Alguien dijo que cualquiera de las canciones de Dengue Fever servirían de banda sonora a una película de Quentin Tarantino y algunos estamos esperando a que así sea”.

Os dejo un enlace con su myspace y con Spotify para que escuchéis este sorprendente trabajo. Para los más perezosos os dejo directamente unos vídeos para que os sorprendáis con este gran trabajo de la banda norteamericana. Los temas que os propongo escuchar son el hit “Tiger phone card”, una versión en directo del tema que abre este álbum, “Seeing hands”, del programa de Jools Holland para la BBC y un vídeo casero del tema “Sober driver”. Que lo disfrutéis tanto como lo estoy haciendo yo. Y nuevamente: gracias MLuisa.

Un saludo y feliz escucha.



Dengue Fever – “Tiger phone card”.



Dengue Fever – “Seeing hands” (live)



Dengue Fever – “Sober driver”.

Ya hablamos de ellos en el blog con respecto a su segundo trabajo y entonces nos prometimos seguir la pista a este grupazo sueco de canciones elegantes con atmósfera envolvente y melódica. Pues siguiendo, siguiendo, comentaros que está a punto de salir el tercer largo de Jeniferever: "Silenia" en el que siguen con ese mismo estilo inconfundible que tanto los acerca a grupos como Sigur Ros. Aunque quizá este último trabajo sea menos "oscuro" y parezca un paso más en la evolución de un grupo al que continuaremos siguiendo su pista...


Silesia




Que lo disfruteis...

Detrás de la sencillez, a veces, se encuentra un mundo lleno de matices y riqueza. Detrás de canciones aparentemente naturales, podemos encontrar un sinfín de detalles trabajados mucho, mucho tiempo. Esto es lo que me ha pasado al ir escuchando a esta canadiense llamada Laura Peek.

(Breve paréntesis. Lo de Canadá habrá que ir mirándoselo. No puedo creer que el talento vaya por regiones y Canadá sea una de las potencias mundiales en talento musical. Pero todo parece indicar que así es. Paraísos Canadienses y Nórdicos, explicadnos el truco).

Volviendo a Laura. Contaros de ella que es directora de orquesta y es esa típica cantautora multinstrumentista con grupo paralelo de apoyo : “The Winning Hearts”.

Así publicó en el año 2007 “From the Photographs”; y ahora, en el 2011 acaba de salir a la luz “Key”, diez canciones que siguen la línea del disco anterior pero con más piano, más tintes clásicos y una voz más cómplice, más íntima, quizá porque los temas invitan a charlar con esta artista de tú a tú, aunque las historias que nos cuente no sean personales sino atemporales e, incluso, lejanas, hablándonos de la historia de su Halifax natal

Tres años entre un trabajo y otro y los dos, totalmente recomendados, llenos de calidad y buen hacer. En definitiva un trabajo redondo el de esta chica. Excelente.


Stand Right There (De “From the Photographs” – 2007)

On the Self (De “Key” – 2011)

Que lo disfruteis…


Esta irlandesa de pura cepa (Dublín, 1974) consiguió en el 2009 el premio a la mejor cantante femenina en los premios 2009 concedidos por Meteors Awards. Se precia de ser vegetariana y canta y toca el Bodhran en una banda que ya va por su tercer disco. Casada con uno de los guitarristas más famosos en la escena rockabilly, Darrel Higham, con un gran bagaje a sus espaldas al haber tocado con grandes Big band y colaboraciones con Brian Setzer, de los Stray Cats, Slim Jim Phantom o sus propios proyectos que no llegaron a ser grandes éxitos en las listas de ventas. Ahora junto a su pareja artística y sentimental Imelda ya cuentan con su tercer trabajo en el mercado y han pasado de gira por nuestro país hace un mes escaso.

De los tres discos “No Turning Bag"(2005), “Love Tattoo" (2008) y “Mayhem" (2010) el más completo a mi parecer es el "Love Tattoo" donde Imelda consigue más cambios de registros y se le nota cómoda en todos los estilos; tan servible para el Blues como para el Jazz o el Rockabilly. Se han rodeado de una banda ya experta en el glamour Rocker con contrabajo (Al Gare), batería (Steve Rushton) y un trompetista fantástico, Dave Priseman, que hace las delicias del público con su sonido tanto con el Fiscorno en los temas más delicados como con la trompeta más rompedora en los más movidos.

Os dejo con dos de sus temas más cargados "Mayhem" y "Psycho"; espero que os entren ganas de bailar.